El arte contemporáneo no tiene en cuenta lo que está ocurriendo.

El arte contemporáneo no tiene en cuenta lo que está ocurriendo.

Liam Gillick

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El término «arte contemporáneo» está marcado por una utilidad excesiva. Lo contemporáneo ha superado la especificidad del presente para estar inextricablemente vinculado al crecimiento de la consolidación de la duda. Al mismo tiempo, ha absorbido una agrupación particular y resistente de intereses, todos los cuales se han convertido en las múltiples especificidades de lo contemporáneo. La tendencia es que los artistas nieguen que son parte de algo que es reconocido y definido por otros. Las frustraciones aquí son siempre únicas. Donald Judd no se identificó como minimalista. Sin embargo, el «arte contemporáneo» activa la negación de una manera específicamente nueva. No describe una práctica, sino un «estar en el contexto» general.

arte actual

Las personas que abandonan los programas de estudios de posgrado son artistas contemporáneos, eso está claro. Representan al artista subjetivo que opera dentro de un terreno de lo general. Sin embargo, ahora encontramos que el significado del arte contemporáneo está siendo redefinido por un nuevo enfoque histórico del arte en sus productos, ideas y proyecciones. Eso significa que estamos atravesando una fase en la que, nos guste o no, es muy probable que se proponga una nueva terminología y medios de delimitación. Por lo tanto, es necesario, especialmente para los artistas (aunque nunca solos), participar en este proceso de re-descripción de lo que se hace ahora. ¿Qué constituye la imagen de lo contemporáneo? ¿Y qué es lo que produce el contemporáneo además de una complicidad?

El «arte contemporáneo» ha implicado históricamente una acomodación específica de un conjunto de valores económicos y políticos de mentalidad abierta que son mutables, globales y generales, que son suficientes como una descripción general de «lo que se está haciendo ahora, donde sea». Pero la flexibilidad del arte contemporáneo como un término ya no es capaz de abarcar todo el arte dinámico actual, aunque solo sea porque un número creciente de artistas buscan diferenciar radicalmente su trabajo de otro arte. En un ensayo reciente intenté, por lo tanto, volver a considerar el arte contemporáneo como «arte actual», como una forma de abandonar la asociación con el diseño y la arquitectura contemporáneos y simplemente encontrar un término que pudiera contener el futuro cercano y el pasado reciente del arte comprometido producción más que una evocadora inclusión posmodernista de prácticas singulares. 1Sin embargo, esta nueva definición ajustada tampoco es suficiente como una descripción que pueda incluir efectivamente todo el trabajo que se está realizando con la intención de resistir la flexibilidad del trabajo contemporáneo. Es cada vez más difícil ignorar el hecho de que la definición de arte contemporáneo ha sido adoptada por arenas aparentemente mutuamente exclusivas como las casas de subastas y los departamentos de historia del arte nuevo como una forma de hablar de una generalización que siempre encuentra su articulación como una especificidad o conjunto Subjetividades que ya no incluyen a aquellos que trabajan duro para evadir su alcance.

El arte contemporáneo se ha convertido en histórico, una asignatura para el trabajo académico. El número de otoño de 2009 de la revista October sobre la cuestión de lo contemporáneo tendió a centrarse en la academización del arte contemporáneo, al tiempo que reconoció ampliamente la inquietud existente que muchos artistas tienen al ser caracterizados dentro de una época estilística. Hal Foster señaló que la revista recibió muy pocas respuestas de los curadores a su cuestionario. 2 Esto podría deberse a octubre.tema que coincide con el final de la utilidad del término «arte contemporáneo» para la mayoría de los artistas y curadores progresistas, o al menos con la reticencia de identificarse con él cada vez más, mientras que sigue siendo un término generalizado conveniente para muchas instituciones y estructuras de intercambio, entre ellas Casas de subastas, galerías y departamentos de historia del arte, todos los cuales luchan por identificar las implicaciones de su uso del término, algunas más que otras, por supuesto.

El dilema del arte contemporáneo, a los efectos de este texto, en realidad se refiere al período comprendido entre 1973 y 2008, en lugar de la definición común posterior a 1945 en los museos occidentales. Esto es un intento de evitar lo que podría llamarse el período «moderno tardío», donde el legado de los argumentos modernistas sigue siendo el principal término de referencia. Para 1973, ya nos encontramos operando en un contexto institucional de museos de arte contemporáneo y centros de arte, mientras que las reflexiones sobre los finales reductivos y conceptuales de los años sesenta han dado paso a un nuevo conjunto de debates sobre desempeño, video y crítica institucional. Se realizará un intento por describir la comprensión actual del término «arte contemporáneo» y la forma en que se implementa para la creación de un espacio de inclusión y potencial.

1.

Lo contemporáneo es necesariamente inclusivo, una generalización que se ha convertido en una acusación. ¿Existe la posibilidad de simplemente decir «Hago trabajo ahora»? El arte contemporáneo es una frase que se presta a ser escrita y contada sin ser dicha. Siempre es “todos los demás”. Solo funcionaría dejar de decir el término si la gente lo hubiera estado diciendo todo el tiempo. Es tan raro escuchar a un artista describirse a sí mismo como un artista contemporáneo como escuchar a un arquitecto decirle que él o ella es un arquitecto contemporáneo. Este sentido de lo no dicho ha enfatizado el papel de lo contemporáneo como un término vinculante suelto que siempre apunta hacia sí mismo en lugar de un término articulado y repensado desde el centro. Esa es la razón de su durabilidad y sofocante redundancia.

Entonces, ¿qué es el arte contemporáneo contemporáneo? ¿El arte mismo apunta al término o viceversa? ¿Que esta pasando? ¿Se ha olvidado de preguntar a los artistas si son artistas contemporáneos? Una respuesta es que el término es una generalización conveniente que no se presta a la reflexión y al replanteamiento constante en la forma de términos teóricos establecidos, como el posmodernismo. Permite una separación del acto de hacer o hacer arte y la forma en que se presenta, explica e intercambia. Tanto los artistas como los curadores pueden encontrar un espacio en la brecha entre estos dos momentos en los que están considerando temporalmente un caso excepcional con cada nuevo desarrollo o adición al inventario contemporáneo. Sin embargo, un inventario de espacios artísticos por sí solo, por ejemplo, no puede ayudarnos a encontrar una categorización de la participación dentro del ámbito de lo contemporáneo. La pregunta es cómo categorizar el arte hoy de una manera que supere lo contemporáneo. La inclusión de lo contemporáneo está bajo ataque, ya que esta inclusión ha ayudado a suprimir una crítica de lo que es el arte y, lo que es más importante, lo que sigue. Sabemos lo que sigue como están las cosas: más arte contemporáneo.

La instalación, y por asociación la exposición en sí, es la articulación de lo contemporáneo. Incluso las pinturas no pueden escapar a esta calidad «instalada», a la instalación considerada y particular de cosas e imágenes, incluso cuando se las aborda de manera fortuita o fuera de lugar. Todos tenemos una idea de lo que representa el arte contemporáneo a la vez que solo conocemos los detalles específicos de una instancia en particular. Es este saber lo que significa a través de evocar un particular lo que empuja a las personas hacia un intento de trascender esta generalidad.

2.

Ha habido una proliferación de discusiones y prácticas paralelas que parecen operar de manera semiautónoma junto con el arte contemporáneo. Lo ignoran o toman el trabajo de lo contemporáneo como un ejemplo de lo que no se debe hacer. El enfoque reciente en el documental, los modelos educativos y las colaboraciones sociales comprometidas han intentado establecer y describir nuevas relaciones que operan fuera y en oposición a los límites aparentemente sueltos de lo contemporáneo. Estas son estructuras comprometidas que proponen límites y límites y toman nuevos territorios, desde los curatoriales hasta los neoinstitucionales, en oposición directa a los supuestos sueltos de lo contemporáneo (tanto en sus formas instrumentalizadas como capitalizadas). Un buen ejemplo podría ser el proyecto Unitednationsplaza en Berlín. Una serie de discusiones y conferencias enmarcadas dentro de la idea de un entorno educativo. Mientras que las discusiones y las conferencias parecían abordar las posibilidades del arte ahora, parecía muy poco preocupado por la idea de pasar por alto la producción de formas de arte contemporáneo reconocibles. El proyecto en sí fue una fusión de lo curatorial, lo artístico y lo académico hacia la creación de una serie de escenarios discursivos que podrían desafiar no la mercantilización del arte, sino la absorción de todo dentro de la tolerancia autoritaria de la producción contemporánea. La mediación de la propia práctica crea momentos de escape de lo contemporáneo. Aún así, ver esta producción de conocimiento paralelo crea un dilema cuando se convierte en la producción primaria del artista contemporáneo. Incluso para el «giro educativo,

Otro ejemplo clave de esta producción de estética contemporánea matizada es la reciente reevaluación del documental, una tendencia que debe ser reexaminada por sus pretensiones de evadir lo contemporáneo. Como señaló Maria Lind, las prácticas documentales que vemos ahora.

están tan articulados en términos de estructura, visualidad, producción y protocolo como cualquier otro arte relevante de hoy. Pero tienden a ser menos formalmente seductores. Y, sin embargo, son tan complejos como algunos trabajos que se sabe que son «complejos». El aspecto de la objetividad no es objetivo, al igual que el aspecto de los materiales comerciales no es necesariamente comercial. 3

Lo más efectivo de esta estrategia documental ha sido que los artistas no ofrecen resistencia a lo contemporáneo al salir de la ecuación, incluso cuando proporcionan la narrativa para escapar. Existe una reivindicación implícita de objetividad que funciona aquí como una opción agresiva de neo-objetividad frente a la cooptación. Sin resistirse estructuralmente a esa cooptación, se convierte simplemente en una forma de permanecer fuera del escenario esperando el momento de entrada.

El documental se ha convertido en una forma de evitar el problema de la des sublimación ante la sublimación excesiva. Es un lugar semiautónomo donde todos viven para luchar, al menos, otro día. Es un lugar donde todavía hay un ellos y nosotros. Una protesta contra lo contemporáneo al negarse a reconocer su alcance. En este caso, el arte se ha formulado como un boicot de lo subjetivo y ha creado barreras frente a la fragmentación continua y constante. En el mejor de los casos, ha hecho visible el intercambio y ha creado una nueva batalla sobre lo que solía llamarse realismo. Por lo tanto, las nuevas conciencias en torno a la educación y la documentación brindan destellos de claridad dentro del terreno inclusivo. La inclusión y la exclusión se convierten repentinamente en momentos de clara elección: la conciencia política comienza a afectar la noción de práctica específica. Pensando en el problema del arte contemporáneo mientras se producen nuevas redes de actividad que están marcadas por su resistencia al arte contemporáneo como una generalidad. Es la falta de diferenciación dentro de lo contemporáneo lo que lo deja como un terreno especulativo abierto. Esto es lo que impulsa al discursivo y al documental como oposiciones pasivas pero claramente urgentes.

Una solución reciente a la forma en que lo contemporáneo subyace a la diferenciación ha sido separar las nociones de compromisos artísticos y políticos, para que no haya malentendidos de que solo la obra en sí, en todas sus manifestaciones, podría formar parte del «contexto del arte contemporáneo». «. Un ejemplo aquí sería Paul Chan, quien ha sido descrito en las biografías como un» artista y activista «para diferenciar su función social comprometida como agente político de su trabajo en galerías y museos. 4Somos conscientes de que el activismo alimenta el arte y el arte alimenta el activismo, pero a un paso distinto del papel de los artistas a la sombra del arte conceptual, ahora es necesario que muchos como Chan demuestren que existe un límite. o frontera con el abrazo o la eficacia del arte contemporáneo. Por supuesto, hay un problema potencial aquí en términos de cómo podríamos definir el activismo, por ejemplo, junto con el uso del documental entre artistas progresistas. Tomar un término como activismo y combinarlo con una práctica artística que es claramente de lo contemporáneo muestra una tendencia a asociarse con formas anteriores de certidumbre. Una forma de aceptación renuente es que actualmente es imposible escapar del dominio de lo contemporáneo, pero podría ser posible separar la vida y la acción del arte contemporáneo. En estos casos,

3.

Lo contemporáneo es más exitoso dentro de las ciudades. Se relaciona con el creciente despliegue de la contemporaneidad como un terreno especulativo de marcadores de estilo de vida que incluyen el arte. Lo contemporáneo implica un sentido sofisticado de redes. Hacer cosas con conciencia de todas las demás cosas. Uniéndose a una matriz de significantes parciales «eso hará». El complejo de Edipo para matar a los que vinieron antes se ha transformado. El relativismo en este caso se define meramente por el contexto y es una conciencia neopolítica no activada. Dentro de lo contemporáneo hay una utilidad en todas las demás formas de trabajo. Y hay una paradoja de un anti-relativismo dentro de la subjetividad de cada artista y cada obra de arte. Sin embargo, un anti-relativismo cada vez más radical compartido por muchas causas no reconocidas tensiones. Lo contemporáneo está marcado por una muestra de autoconocimiento,

Lo contemporáneo necesariamente restringe el sentido en el que estás buscando un gran avance. Un intento de trabajar es el trabajo mismo. Sin resolver es la mejor manera, dejando una serie de accesorios que parecen funcionar juntos, o que lo harán por ahora. En este caso, ningún trabajo individual es todo lo que querrías hacer. Este es el espacio de su contradicción dinámica. La jerarquía es disfuncional y evadida por lo contemporáneo, y por lo tanto, las cuestiones políticas clave, ya sean ignoradas o incluidas, se complementan con la ironía y las relaciones tímidas con las nociones de calidad.

Lo contemporáneo llega a un acuerdo con el alojamiento. Las ideas fundamentales son necesariamente evadidas. Porque el lenguaje de lo contemporáneo todavía lleva la memoria perdida de una democratización de la habilidad. Sus principios de cimentación estaban basados ​​en el potencial universal. Por tu naturaleza lo eres al tomar la decisión de anunciarte. Es fácil «ser», simplemente existir a través del trabajo. El proceso funciona a la inversa a veces como un surgimiento a través del trabajo. Un lugar en lo contemporáneo se establece por una búsqueda del arte contemporáneo, no al revés. Las formas colectivas y documentales han intentado escapar y establecer una separación hardcore y activista. Una crítica de todo y de todo. Se ha desarrollado la necesidad de encontrar una ética secundaria para establecer una zona de diferencia. Ajustando pequeños detalles y trabajando como otro personaje junto a lo contemporáneo. Históricamente, todos los «ismos» profundos en el arte fueron originados por artistas, en el caso de lo contemporáneo, el artista es el creador de todas las subjetividades. Pero, ¿cómo podemos evitar que lo post-contemporáneo se convierta en una nostalgia histórica para el grupo o una mera identificación política?

4.

El supuesto básico de lo contemporáneo es que todo lo que necesitamos es un lugar para mostrar, para formar parte y estar al borde del arte contemporáneo. Todos en esta zona de la exposición se convierten en la excepción dentro del cuadro. Esto conduce a estrategias basadas en proyectos que analizan la neurosis de lo expuesto. El deseo y el impulso y la motivación son sublimados. Cada enfoque basado en proyectos crea un método hipotético que respalda al colectivo mutable. Ver claramente combinado con instintos instantes y siempre construir. Todos contribuyendo a una matriz de formas existentes y justificándolas por reaparición continua. El trabajo siempre se proyecta hacia el futuro mientras se mantiene el pasado reciente al alcance de la mano. Predice las implicaciones de sí mismo y construye un puente entre lo casi conocido pero casi olvidado y lo que pronto será mal interpretado.

Se solía decir que el arte es como la física teórica, una especialización con un público pequeño. Podría haber sido una existencia perfecta basada en la investigación. Sin embargo, en un mundo donde el artista contemporáneo es considerado cínico, nunca te encuentras con un artista que se da por vencido por completo. La falta de audiencia percibida se transforma en capas de resistencia, no al trabajo en sí, sino al conjunto que lo abarca. Lo contemporáneo es, por lo tanto, el lugar de la contradicción dinámica donde el trabajo individual nunca es más que el efecto total. Ningún trabajo singular tiene más valor en términos de función que cualquier otro. El discurso del arte contemporáneo gira en torno a sí mismo. Se ha vuelto imposible estar afuera y, por lo tanto, se entiende en términos de una separación. Siempre hay un interés en mostrar algo en alguna parte.

La política y la biografía se han fusionado. Todos somos tolerantes con el arte que está enraizado en historias específicas. Esta es la zona inclusiva donde el artista interpreta su propia perspectiva para un propósito colectivo. El impulso es desengancharse de quien eres y, al mismo tiempo, convertirse solo en ti mismo. Algunas personas pueden dormir con los ojos abiertos. ¿Qué hace este proceso de descubrirse constantemente a ti mismo en realidad? ¿Es un impulso para el reconocimiento? Crea individuos excepcionales de la globalización: «una aristocracia del trabajo», como lo expresó Shuddhabrata Sengupta. 5

Dentro de lo poco probado de lo contemporáneo, nos quedamos con clasificaciones, exposiciones de museos, dinero y novedad como marcadores de algo dentro de sus formas institucionales. El trabajo continúa en un flujo determinado por las condiciones económicas. Y la obligación es seguir defendiendo el arte contemporáneo en general, incluso si lo encuentras imposible. Puede haber un intento de describir el flujo libre de ideas dentro de la inclusión. Las audiencias crean barreras y obstrucciones en una guerra suave de tarifas estéticas que regulan el flujo y el consenso. Flujos minúsculos y pequeños desacuerdos imitan el impulso y resisten lo externo. El doloroso flujo de la vida es sublimado. El cambio sucede a otras cosas, pero no en el ámbito de lo contemporáneo. Boicotear todo ya no es una opción; Las huelgas y protestas serán incluidas, también. El sistema es resistente. Moverse contra la corriente es un problema, ya que va en todas direcciones. El trabajo neurótico es la recompensa. Algo va a pasar.

El trabajo excesivo es la lucha contemporánea. Donde el capital está globalizado es necesario estar en todas partes. Reunirse para crear un intercambio con personas en medio de la evidencia de lo contemporáneo. Porque a pesar del hecho de que cada idioma tiene sus propias reglas y vacíos, encontramos que es imposible encontrar una verdadera contradicción dentro de estos límites. ¿Dónde encontraríamos esta brecha? Siempre se tolera una perspectiva hardcore, pero ¿quién está molesto e irritado? El valor burgués y el capitalismo se sienten cómodos con cada iteración de lo contemporáneo, lo apoyan literalmente. Lo contemporáneo ofrece una tangente específica con una narrativa. A nadie le importa ya quién hizo lo primero, la idea del original no importa. Esta ha sido una era de estilo más que un momento específico de cambio o desarrollo. Al borde de la práctica solo encontramos más cosas para ser absorbidos. En el centro hay una masa de diminutas maniobras.

La autoconciencia reconstruye constantemente este sitio de continuidad. Está repleto de trabajo autorreferencial, todo listo para re-lectura, acciones y gestos conscientes de sí mismos. Ciertos términos se han establecido como una especie de lingua franca. Es una zona donde es posible confiar en ti mismo dentro de la confusión. Aprender habilidades de comunicación. Mientras tanto, los estudiantes se vuelven más inteligentes y reconociblemente diferentes, irónico de una manera que eleva un poco el tono crítico y facilita un poco más la zona. Dentro de esta vaga contemporaneidad, la gente ve más y más de lo que vio antes.

Ese es el genio del régimen. El arte contemporáneo es la zona perfecta de aplazamiento. Ninguna claridad puede ser complicada cuando se reproduce sin límites. Aquí podemos encontrar situaciones ligeramente diferentes cada día. Las peleas con hombres buenos no crearán aquí una ruptura más que la condena de la obscenidad. La problemática no puede ser destruida. Los celos en este ambiente son agotadores e improductivos. La instrumentación a nivel institucional siempre está en marcha para desafiar la idea de ellos y nosotros. ¿Por qué debería decirle si lo que se produce es bueno o malo? Nadie puede entender realmente la base de lo que te estoy diciendo. ¿Qué es legible? Cuéntame sobre tu trabajo. ¿Cuántas voces hay en tu cabeza? Este ha sido el momento del texto curatorial. Al servicio de muchos.

5.

El arte actual no puede dejarse al ralentí dentro de lo contemporáneo como una cuestión de gusto o subjetividad preferida. Hay problemas reales de diferenciación que serán reformados por la nueva academización que espera el contemporáneo. El contemporáneo ofrece una multiplicidad de artistas que esperamos que se unan como una de las tribus globales de Negri en una fuerza de resistencia implícita, pero el contemporáneo crea ansiedades asegurando que todos los operadores dentro de él esperen para siempre una señal específica para la acción. Es por esto que la arena contemporánea no se siente como si fuera el lugar para comenzar realmente cualquier cosa, y mucho menos una revolución. Se ha esperado una reversión constante y arbitraria de posiciones como una contracción nerviosa que nos mantiene intrigados. El contemporáneo muestra una ruptura entre las intenciones y los resultados, dejando una brecha contingente que hace inútil buscar contradicciones. Los desplazados son singularmente descubribles aquí. Una incapacidad para proyectar en el futuro, para terminar las narraciones, habiendo perdido, por accidente de nacimiento, el final de todo. Funcionando con energía excedente, con un claro deseo de organizarse. Están a punto de organizarse por otras personas, instrumentalizarse, intercambiarse y redefinirse por otros.

Saber qué «personal» ocupar es de ayuda aquí. Debemos asumir que todo el mundo es verdadero. Probar diferentes personalidades es perdonado dentro de este reino. La decisión de cambiar una obligación. La quema de pinturas es el mito originario. El punto es unirse a la autopista en la rampa de acceso a toda velocidad, luego elegir qué carril ocupar. Disminuir la velocidad o subir o bajar es difícil e indeseable. La dificultad es interna en este lugar, y una persona completamente diferente emerge para ocupar este espacio interno de pensamiento y acción. Lo contemporáneo es siempre una cosa interna que se expresa solo parcialmente en lo externo. Está lleno de formas de ser engañado e implica evitar la totalización de cambios enmascarados por cambios estilísticos. El desafío de la historia se convierte en una completa ruptura. Desafiar la historia es parte del pasado. El régimen de lo contemporáneo se hace cada vez más inclusivo de su propio pasado y futuro eterno. Hinchado y al borde de la utilidad, se extiende sin fin en todas las direcciones. Pero también lo hizo la tierra plana en la que la gente alguna vez creyó, y también lo hizo el cielo infinito de Occidente.

Este ensayo se desarrolló durante un seminario de una semana en la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia en octubre de 2010. Agradecemos especialmente a Robin Cameron y Ernst Fischer por el uso de sus notas del trabajo de la semana. El texto fue escrito para el libro Cultures of the Curatorial(eds. Beatrice von Bismarck, Jörn Schafaff, Thomas Weski), que se publicará en 2011.

Liam Gillick es un artista residente en Londres y Nueva York. Sus exposiciones individuales incluyen «The Wood Way», Whitechapel Gallery, Londres, 2002; “Un breve texto sobre la posibilidad de crear una economía de equivalencia”, Palais de Tokyo, 2005; y el proyecto retrospectivo «Tres perspectivas y un escenario breve», Witte de With, Rotterdam, Kunsthalle Zurich y MCA Chicago, 2008-2010. En 2006 formó parte del proyecto de la escuela de arte libre unitednationsplaza en Berlín.

Gillick ha publicado varios textos que funcionan en paralelo a su obra de arte. Proxemics: Selected Writing, 1988–2006 (JRP | Ringier, 2007) se publicó en 2007, y la monografía Factories in the Snow , de Lilian Haberer (JRP | Ringier, 2007), pronto será acompañada por una extensa publicación retrospectiva y crítica. lector. Además, ha contribuido a muchas revistas y revistas de arte, como Parkett , Frieze , Art Monthly , October y Artforum . Gillick fue el artista presentado en el Pabellón Alemán durante la 53ª Bienal de Venecia en 2009.

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