Nueva revisión sobre Giorgio Morandi

Nueva revisión sobre Giorgio Morandi

En memoria  Ives Bonnefoy, maestro incomparable, único, de quien aprendí el silencio de Morandi

La pintura es un actuar constante, un secreto, un silencio, que anhela una complicidad  constante. El arte  en sí es un movimiento sensible de la imaginación, un juego que consiste en edificar universos inéditos. La obra pictórica de Giorgio Morandi      (Bolonia, Italia,  1890- 1964), no sólo posee un aura inmortal, sino que  despliega múltiples  posibilidades de interpretación: se enfrenta con la naturaleza del arte y la construye a partir del espectro individual de  su tiempo. La trayectoria del artista no describe una parábola sino que, como afirma  Roberto Longhi, “en la constante lucidez de Morandi, la suya  fue más bien una trayectoria  bien recta, un largo camino”. Madurada a lo largo de un camino prolongado, la poética morandiana se  perfila formando un contrapunto con la agitada historia de la modernidad.  Partió de Cézanne   – y es éste, sin duda, el centro nodal en el itinerario  imaginativo de Morandi, y el detonador de la transformación sensible de la mirada moderna-, pasó por el cubismo, los  Valori plastici y por último por la pintura metafísica, que abandonó ponto, tal vez sin sospechar que se convertiría en un “artista clásico”, incómodo e irreductible del siglo XX.

Still Life 1960 Giorgio Morandi 1890-1964 Accepted by HM Government in lieu of inheritance tax and allocated to Tate 2010 http://www.tate.org.uk/art/work/T13636

En todo cuadro  existe el problema de transformar  la multiplicidad de elementos, pinceladas e impulsos en una unidad. En la pintura de Morandi se consigue una totalidad unitaria y, al mismo tiempo,  no se pierde la vitalidad de la diversidad, de la unión  y separación de sentidos. Su obra es la apropiación estética de un mundo impenetrable. “El arte es siempre una armonía paralela a la naturaleza”, repetía Cézanne.

El caso de  Morandi en la historia del arte es particular, único. Se alimentó directamente de las fuentes de la pintura metafísica italiana – De Chirico, Servini y Carrá -, y su evolución plástica se  transformó en algo más personal.” Algo que estaba en el aire en Ferrara hacia 1917”, según palabras de artista. Es fácil detectar algunas coincidencias con De Chirico, sí, pero los planos cortantes o las geometrías sobre brillantes espacios de luz a la manera poscubista desencantaron pronto a Morando, que se declina por la indación de las raíces  figurativas. Es decir, Morandi se concretó en un mundo interior, quedando al margen de los debates extrapictóricos  que movieron a la Italia del primer tercio de siglo. En su primera juventud se dejó cautivar por la escuela futurista; en la década de los veinte encontró su propio camino, sin salir de su ciudad natal. Aparecieron sus primeras naturalezas muertas – Naturaleza muerta con plato de plata (1914), Naturaleza muerta (1914), realizadas con objetos cotidianos de cristal y cerámicas de distintos colores. En esta primera etapa, el sentido de Morandi era recrear la memoria. Creó un puente simbólico a través de la realidad y trascendió la figuración para lograr  diversas dimensiones abstractas. Ya esta primera época creativa  se  preocupo no sólo por la luz y el volumen, sino por la atmósfera que envuelven los objetos, por la poética y la liberación del objeto interno, que Morandi fijó con su mirada.  No se trataba de una contradicción, sino de una afirmación que maravilló a De Chirico, Picasso, Matta, Hoftmann, Esteban Vicente, Balthus,  Chillida, Giacometti,  Saura  y Râfols-Casamada.

Su  universo simbólico, comparado con el de Giorgio de Chirico, es estrecho, y quizás, más concentrado, lo mismo que su pulcro distanciamiento de la realidad no es el aséptico, descriptivo y vagamente ingenieril de los puristas franceses, con los que también se le asocia.  En este sentido, Morandi parece necesitar menos cosas que nadie para expresarse, pero su sobrio y austero repertorio está cargado de una  deslumbrante densidad emocional. “ A veces me imagino los colores – decía Morandi – como grandes noúmenos, como ideas  vivas o seres de inteligencia pura. No pienso en nada cuando pinto: veo colores que se ordenan como quieren, todo se organiza a través de las manchas de color: campos, casas…”.[2] En momentos, en su obra madura, logra trasmitir una asombrosa sensación de agitación y de sutil movilidad atmosférica.  Un motivo conduce a Giotto, la dinámica masa y volumen lo sitúan ante el dilema e Masaccio y Paolo Uccello: ordenar el espacio con sólidas empastaciones de color que el sombreado y el contraste formal transforman en volúmenes  o en fuertes secuencias tonales. Que las cosas se muevan  hasta casi irradiar una vaga impresión de “temblor”, es propio de quien mira la realidad con la alucinada visión de un místico.

Morandi es una figura que caminó en solitario por el siglo XX. El pintor hizo del silencio un proyecto, algo que lo conecta definitivamente con la modernidad. En su obra hay elementos contradictorios, incluso estilísticamente, a pesar de ello tiene una gran unidad. La unidad la dan, en gran medida, los temas: hay en las naturalezas muertas unidad de acción.  Morandi crea también numerosas composiciones de  Flores, que se han distinguen  por su cromatismo variable, en momentos  lleno de sombras, y sí, en ciertos momentos  el instante parece congelado. Por ejemplo  Lirios violetas  (1942),  óleo único en su producción, ponen de manifiesto esa intensidad  expresiva, una fragilidad “poética” en el manejo del color, el dibujo, que se vuelve la atmósfera de la composición  un refugio íntimo de Morandi. Un secreto por ocultar  sus paciones. De esta fusión de rigor y sentimiento nace la poesía en cada  uno de sus cuadros, que sería en palabras de Heidegger “no una ausencia sino un poner al descubierto”[3], un  mundo íntimo.

Una pintura de objetos –  vasos, botellas, jarras-  obsesivamente repetidos en el tiempo creador del artista,  modelados por la luz inverosímil de  derivaciones formales,  tentadas por el color,  con una  sutileza oriental que acentúa el vigor de la composición. Como en los paisajes de Cézanne, la acción está detenida en un momento expectante; nosotros somos el objeto de expectación, nuestra llegada ha paralizado la acción.  Un arte que admira la discreción constructiva de Cézanne, descubierto en las Bienales de Venecia de 1910 y 1912, y en grandes exposiciones posteriores como las del Palacio de Bellas Artes de Bruselas (1953), Winterthur (1956),  Museo de Arte Moderno de Sao Paolo de  Brasil (1953), Mónaco, Ginebra, Nueva York (1957).  Los objetos se pierden entre diversos signos, en una dualidad de formas que comparten sentidos. La atmósfera del cuadro deja ver instantáneas revelaciones que descubren formas poéticas y que, al mismo tiempo, comparten los caligramas figurativos de Morandi. El tratamiento cromático  contribuye a la unidad compleja en la obra de este artista.   Patio de vía  Fondazza (1958),  Paisaje(1960),   Naturaleza muerta (1962),  son óleos  de grandes tonalidades cuya base general se construye a partir de azules intensos y amarillos oscuros, con cierto contrapunto de grises y blancos. Otro factor importante es el ritmo de las atmósferas; un ritmo  en zigzag, de dominante vertical, que une en un solo haz todo el movimiento del cuadro. La combinación de ritmo y color juegan un papel primordial. El ritmo, es un sutil juego de contraposiciones, va ligando las imágenes; el color se convierte en elaboración simbólica de la realidad. El resultado es un bloque compacto y fragmentado a la vez.  Motivos reiterados, pero nunca repetidos, soporte en cualquier caso de una experiencia sensiblemente profunda y deslumbrante: violeta, malva, azul y blanco fijados por el saturado marrón y el siena arcilloso  de los objetos. Bien dice Humberto Eco sobre Morandi: “un arte de apariencia insignificante con poco que ver con la imaginería crispada del arte moderno”.[4] Un ejemplo de la intensidad artística de Morandi son los autorretratos, donde desfallece el pincel tras cada contorno, línea y trazo desprovisto de sentido.

Si las raíces vanguardistas de Morandi remiten a las fuentes antedichas y, en  última instancia, a Cézanne, hay una corriente subterránea en su obra que lo pone en relación con la gran tradición pictórica italiana, lo que se remonta al siglo XV, con Masaccio y Piero della  Francesca.  La pasión de  Morandi por los objetos inmóviles y silenciosos se basa en el interés de visualizar sensaciones volumétricas, disociadas de la representación  formal. Él  fábula su dibujo a través de botellas, jarras y vasos que repite  obsesivamente en la transfiguración del cuadro. La figura aparece no sólo como signo pictórico sino también  poético, creando un vínculo mágico que  evoca sentidos y que conlleva una percepción plástica ilimitada. Por otra vía de concentración física y emocional, hay algo en Morandi que hace pensar en Zurbarán y Juan Gris, pintores que logran conmover a través de una realidad casi mineralizada, pero, a diferencia de ellos, posee una sofisticación compositiva y una capacidad para hacer vibrar la atmósfera que otorga a sus objetos un aire casi fantasmal.

En la  serie extraordinaria de naturalezas muertas, fechadas entre 1918 y 1963, los objetos aparecen como presencias  definidas por un perfil o un acento musical dentro de la masa tonal de la pintura. En otras ocasiones, como en algunos  cuadros de flores o de simples figuras o en el conocido   Autorretrato (1924), los contrastes cromáticos son violentos, de gran intensidad. Hay en todos ellos una decidida intensión, algo que hace que colores, pinceladas, líneas y formas se unifiquen en un todo único y necesario. La pintura de Morandi tiene la incuestionable necesidad de divagar por ese sendero. Cada cuadro es la concreción de un todo  donde sentimiento, visión y construcción  recrean esa unidad inseparable. Por otra parte, la unidad de temas, composición y de paleta, con esa sorda y uniforme reverberación agrisada, provoca un efecto  de espaciosidad densa, como un mundo deshabitado e intemporal; pero, cuando se recorren sus cuadros, se impone un aura de vibraciones, espejismos, susurros, sombras, contraluces destellantes. Morandi no sólo muestra su mundo, sino que, algo excepcionalmente admirable, cambia el propio. “Son pinturas – dice Albert Râfols- Casamada- donde el tiempo tiene una presencia. Es como si el tiempo se hubiese acumulado en estos objetos, dejando  su huella en forma de polvo, matizando la luz, dando a veces un toque de cansancio a las pinceladas”.[5]

Giorgio Morandi es un artista secreto y difícil, una figura clave del arte moderno, un pintor silencioso que a través de sus modelos  crea un alfabeto pictórico y poético, reflejando una profunda inquietud interior. “La  actividad de un monje en su celda es exactamente la contraria a la de un esteta en su torre de marfil”, escribió, refiriéndose a Morandi, el historiador  Roberto Longhi. Pero estar aislado no significa dar la vuelta a la pintura, sino refleja la voluntad de no hacer concesiones: Morandi habló con Giotto,  Chardin,  Cézanne,  Matisse. Este diálogo  de Morandi está  lleno de voces cómplices, que devuelven a la pintura su sentido de flujo, que resuena sostenido en una entonación inédita. “Creo que nada – decía Morandi-  puede ser más abstracto, más irreal que lo que vemos realmente”,  y Morandi más que nadie supo también, clavar su mirada en el enigma de la vida cotidiana, y descubrir en ella la poesía de arte.

 

[1] Roberto Longer, Exit Morandi, en Paragone, número 175. Florencia, julio de 1994. Pág 3-4

[2] Giorgio Morandi, en la entrevista concedida a “La voz de América” el 25 de abril de 1957, luego publicada como apéndice  a la segunda edición del  Catalogo Generale dei Dipinti,  dirigida por Lamberto Vitali, Milán, 1983.

[3] Martin Heidegger.  El arte y el espacio. Génova, Madrid, 1998

[4] Humberto Eco.  Giorgio Morandi, Museo Metropolitan, Nueva York, 2008

[5] Alber Râfols- Casamada, Morandi. Exposición antológica. Museo Thyssen- Bornemisza, Madrid, España, 1999 . Después publicado en  El asombro de la mirada. Convergencia de textos. Editorial Síntesis, Madrid, 2010. Traducción, selección y notas  de Miguel Ángel Muñoz

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